Je vois par-ci par-là des avis assez démagogiques sur l'importance du coloriste dans la création d'un album.
Certains voudraient que le nom du coloriste apparaisse sur la couverture, qu'il touche les mêmes droits que le scénariste, voire le dessinateur.
Je ne suis pas d'accord.
Je suis le premier à dire que la couleur a une grande importance dans un album de BD. Et Cassio peut en témoigner, il ne s'est jamais aussi bien porté que depuis qu'on a pris un meilleur coloriste que moi-même, ha, ha.
Sauf cas contraire, et ça existe (mais c'est rare), le coloriste n'intervient pas dans les discussions créatives qu'ont scénariste et dessinateur, il ne participe pas à la création de la BD en partant d'une feuille blanche et il n'a, la plupart du temps, aucune implication autre que la mise en couleur d'une œuvre déjà finie. Les couleurs peuvent être magnifiques, lumineuses, transcendantes, si vous voulez... mais ce ne sera jamais la même implication créative qui défini pour moi "L'AUTEUR".
Je suis volontiers partisan de donner 1% de droit d'auteur (sur les 10% ou 12% selon les séries) au coloriste pour le faire bénéficier du succès de la série... et c'est tout à fait normal. Il serait indécent d'en faire autrement.
MAIS, un coloriste N'EST PAS un auteur. Il n'est pas créateur d'une série.
Il faut comprendre que quand un scénariste et un dessinateur créent une série ou un album, l'histoire, les personnages, leur appartiennent. Ils cèdent juste les droits à un éditeur pour que celui-ci exploite l'œuvre. Rajouter à cela quelqu'un, aussi talentueux soit-il, qui n'a en rien participé à la création de ces personnages et de cette histoire est insensé, voire dangereux.
Imaginez, que vous n'êtes plus content des couleurs, si le coloriste est considéré comme "auteur", vous ne pouvez pas en changer. Un coloriste mécontent et ayant un statut d'auteur peut bloquer une série.
Il me semble plus logique que le scénariste (qui est souvent le créateur original de l'histoire) et le dessinateur (qui lui crée le visuel général, les personnages) aient ce POUVOIR.
Ma compagne est elle-même coloriste, je ne suis donc pas contre les coloriste; loin de là.
Enfin, compte tenu de ce que les auteurs (scénariste et dessinateur) sont payés, les prix des coloristes, à savoir 85 ou 90 Euros la page, c'est très bien. Je me souviens d'une époque pas si lointaine, les moins de vingt ans peuvent connaître, où ils devaient s'estimer heureux de toucher 40 Euros.
Amis, amies coloristes, ne vous fâchez pas sur moi, je vous aime quand même.
jeudi 13 décembre 2012
mardi 23 octobre 2012
Intégrale "Le Dernier Livre de la Jungle".
Le 23 Novembre 2012 paraîtra l'intégrale du "Dernier Livre de la Jungle".
A l'origine, c'est une série en quatre tomes réalisée pour la collection Polyptyque aux éditions du Lombard et qui rajoute, en toute modestie, un "dernier livre" aux livres de la jungle (il y en a deux) de Rudyard Kipling.
Pour simplifier, on pourrait dire que les tomes 1 et 2 reprennent des histoires de Mowgli issues de l'œuvre originale tandis que les tomes 3 et 4 rajoutent le chapitre plus personnel de mon ami et scénariste Stephen Desberg, ce fameux "Dernier Livre" du titre.
Les albums ont eu en somme un très bon accueil presse, surtout à la parution des deux derniers tomes qui donnent tout son sens à cette recréation de l'univers de Kipling.
Ce sont des albums qui me sont chers; je les trouve émouvants.
Pour cette intégrale, nous avons mis les petits plats dans les grands... et le tout dans un très grand plat, ha, ha.
Dans cette édition, quoique l'histoire reste la même, visuellement parlant les albums seront très différents. Les 184 planches ont été retouchées pour corriger toutes les erreurs qui se glissent malgré nous dans le feu de la création.
Que ce soit au niveau des bulles, des cadres, du dessin ou des couleurs, tout a été revu afin que cette intégrale soit ce qu'une intégrale doit être: la version définitive d'une œuvre et non une compilation d'albums existants.
C'est un peu notre "Director's Cut"... Un dossier spécial avec des images et textes inédits faisant œuvre de Bonus.
Le prix de vente sera de 29 EUR et quelques cents... une très bonne nouvelle compte tenu que les tomes à l'unité sont aujourd'hui à 14, 45 EUR.
A l'origine, c'est une série en quatre tomes réalisée pour la collection Polyptyque aux éditions du Lombard et qui rajoute, en toute modestie, un "dernier livre" aux livres de la jungle (il y en a deux) de Rudyard Kipling.
Pour simplifier, on pourrait dire que les tomes 1 et 2 reprennent des histoires de Mowgli issues de l'œuvre originale tandis que les tomes 3 et 4 rajoutent le chapitre plus personnel de mon ami et scénariste Stephen Desberg, ce fameux "Dernier Livre" du titre.
Les albums ont eu en somme un très bon accueil presse, surtout à la parution des deux derniers tomes qui donnent tout son sens à cette recréation de l'univers de Kipling.
Ce sont des albums qui me sont chers; je les trouve émouvants.
Pour cette intégrale, nous avons mis les petits plats dans les grands... et le tout dans un très grand plat, ha, ha.
Dans cette édition, quoique l'histoire reste la même, visuellement parlant les albums seront très différents. Les 184 planches ont été retouchées pour corriger toutes les erreurs qui se glissent malgré nous dans le feu de la création.
Que ce soit au niveau des bulles, des cadres, du dessin ou des couleurs, tout a été revu afin que cette intégrale soit ce qu'une intégrale doit être: la version définitive d'une œuvre et non une compilation d'albums existants.
C'est un peu notre "Director's Cut"... Un dossier spécial avec des images et textes inédits faisant œuvre de Bonus.
Le prix de vente sera de 29 EUR et quelques cents... une très bonne nouvelle compte tenu que les tomes à l'unité sont aujourd'hui à 14, 45 EUR.
vendredi 24 août 2012
Cintiq... la question...
Dans mon post "Pourquoi une tablette Cintiq" Virginie de Ip-Paï m'a posé une question qui mérite un réponse plus visible.
Nous avons tous ce qu'on appelle un œil directeur. C'est en fonction de cet œil-là que l'étalonnage se fait. Pour savoir quel est votre œil directeur il suffit de pointer un endroit avec son pouce, les deux yeux ouverts. Si en fermant l'œil gauche (par exemple) le doigt n'a pas bougé du point, votre œil directeur est le droit. S'il a bougé, votre œil directeur est le gauche.
L'étalonnage d'une tablette reste donc quelque chose de personnel lié à la vue de chacun. Raison pour laquelle il peut être difficile de travailler sur la Cintiq d'un tiers. Et j'imagine que ça doit être un cauchemar si on n'a pas le même œil directeur.
Tester une tablette Cintiq dans un Salon d'exposition ou autre sera souvent décevant pour cette raison-là.
Cela s'apparente à encrer avec la plume d'un autre. Souvent les résultats sont calamiteux étant donné qu'une plume s'use selon un angle et une pression "personnels" et uniques à chacun.
S'il faut un peu de temps pour trouver le bon étalonnage, quand on l'a, il vaut mieux sauvegarder ses préférences de tablette pour pouvoir le réinstaller en cas de perte ou de réinstallation de la tablette. Surtout si on a passé des mois, voire des années, à travailler avec un étalonnage bien précis.
Virginie: "Sinon en fouillant un peut j'ai lu que la Cintiq avait un petit problème à l'usage.L'épaisseur de la vitre de la tablette qui est entre l'écran LCD, induit un décalage entre la pointe du stylet et la position réelle du pointeur, à cause l'angle de vision de l'utilisateur qui n'est jamais aligné avec les 2 précédents points. Cette particularité rédibitoire rend la Cintiq inutilisable pour certains utilisateurs.Quel est ton point de vue sur cette particularité de la Cintiq ?"Il y a en effet un décalage entre la pointe du stylet et le point qui est sensé représenter l'endroit où le stylet touche réellement la surface. Ce décalage est dû à l'épaisseur de la vitre. MAIS ce n'est pas un problème ou une source de problème. Au moment de l'installation de la Cintiq, il faut étalonner la tablette pour éliminer ce décalage (erreur de parallaxe). Cela se règle dans le panneau de configuration de la tablette. On doit s'y prendre à plusieurs reprises.
Nous avons tous ce qu'on appelle un œil directeur. C'est en fonction de cet œil-là que l'étalonnage se fait. Pour savoir quel est votre œil directeur il suffit de pointer un endroit avec son pouce, les deux yeux ouverts. Si en fermant l'œil gauche (par exemple) le doigt n'a pas bougé du point, votre œil directeur est le droit. S'il a bougé, votre œil directeur est le gauche.
L'étalonnage d'une tablette reste donc quelque chose de personnel lié à la vue de chacun. Raison pour laquelle il peut être difficile de travailler sur la Cintiq d'un tiers. Et j'imagine que ça doit être un cauchemar si on n'a pas le même œil directeur.
Tester une tablette Cintiq dans un Salon d'exposition ou autre sera souvent décevant pour cette raison-là.
Cela s'apparente à encrer avec la plume d'un autre. Souvent les résultats sont calamiteux étant donné qu'une plume s'use selon un angle et une pression "personnels" et uniques à chacun.
S'il faut un peu de temps pour trouver le bon étalonnage, quand on l'a, il vaut mieux sauvegarder ses préférences de tablette pour pouvoir le réinstaller en cas de perte ou de réinstallation de la tablette. Surtout si on a passé des mois, voire des années, à travailler avec un étalonnage bien précis.
jeudi 16 août 2012
Red dead Redemption
Quel superbe jeu... Sur PS3 et XBOX 360. Magnifique.
N'ayant pas de PS3 à l'époque de sa sortie, en 2010, je l'avais complètement loupé. Grace à mon ami Jean-Luc, qui a eu la bonne idée de m'en parler, j'ai pu faire une loooooongue ballade dans ce western.
vendredi 27 juillet 2012
À l'écoute
Les BO de films sont toujours d'une grande inspiration pour moi.
Ce mois-ci quelques jolies perles peuvent chatouiller nos oreilles.
La musique de "Rebelle", le dernier Pixar, composée par Patrick Doyle, est mon écoute favorite du moment.
Je découvre à l'instant la musique de "The Dark knight rises" de Hans Zimmer. Je suis un bon client du Batman de Nolan en particulier et des musiques de Hans Zimmer en général. J'avais été un peu déçu par "Pirates des Caraïbes: La Fontaine de Jouvence", mais ceci est beaucoup plus convaincant.
Quoique le film ne soit pas récent, la musique de "La ligne droite" de Patrick Doyle revient toujours dans mon lecteur tellement les envolées au piano sont magiques. Il s'agit du dernier film de Régis Wargnier. Doyle travaille avec lui depuis quelques années déjà. On leur doit notamment "Indochine" et "Une femme française".
Enfin, "John Carter", musique composée par l'excellent Michael Giacchino, a été mon écoute compulsive du mois dernier.
La musique de "Rebelle", le dernier Pixar, composée par Patrick Doyle, est mon écoute favorite du moment.
Je découvre à l'instant la musique de "The Dark knight rises" de Hans Zimmer. Je suis un bon client du Batman de Nolan en particulier et des musiques de Hans Zimmer en général. J'avais été un peu déçu par "Pirates des Caraïbes: La Fontaine de Jouvence", mais ceci est beaucoup plus convaincant.
Quoique le film ne soit pas récent, la musique de "La ligne droite" de Patrick Doyle revient toujours dans mon lecteur tellement les envolées au piano sont magiques. Il s'agit du dernier film de Régis Wargnier. Doyle travaille avec lui depuis quelques années déjà. On leur doit notamment "Indochine" et "Une femme française".
Enfin, "John Carter", musique composée par l'excellent Michael Giacchino, a été mon écoute compulsive du mois dernier.
jeudi 26 juillet 2012
Couverture inédite du "Dernier Livre de la Jungle".
En cherchant des éléments pour l'intégrale du Dernier Livre de la Jungle, à paraître le 23 novembre 2012, j'ai retrouvé ceci. Un petit d'homme perdu dans la jungle.
Il s'agit de la première couverture que nous avons réalisé avec Johan. Une couverture dans les tons bleus, plus dramatique, lui a été préférée.
Il s'agit de la première couverture que nous avons réalisé avec Johan. Une couverture dans les tons bleus, plus dramatique, lui a été préférée.
mercredi 25 juillet 2012
Outil "change width" dans Manga Studio.
L'outil "change width" permet d'affiner ou d'épaissir le trait dans Manga Studio.
Il y a plusieurs possibilités et réglages.
Voici l'icone de l'outil dans la barre d'outils.
On peut choisir l'effet voulu, type outil crayon (forme ronde ou carrée) ou outil cadre de selection, lasso polygonal ou lasso normal.
Dans cette fenêtre on choisit d'épaissir (+) ou d'affiner le trait (-).
Notez que si le trait est sur du blanc, il ne pourra qu'être épaissi... Dans la vidéo on peut voir comme cela peut être corrigé.
dimanche 22 juillet 2012
Quelques nouvelles du front
J'ai été un peu éloigné du blog pour différentes raisons... La première étant mon travail sur le Cassio 7 qui devrait paraître en 2013.
J'ai aussi fait des recherches pour le dossier spécial de l'intégrale du dernier Livre de la Jungle. Vous aurez quelques jolies surprises de dessins inédits.
Parution prévue pour fin novembre.
Enfin, j'ai aussi mis mon site web à jour. Notamment la section "Peinture" et "Originaux". N'hésitez pas à le visiter.
Enfin j'ai aussi passé un peu de temps à me remettre à jour sur certaines séries télé que je vous recommande: The Killing, Homeland, et Fringe.
J'ai aussi fait des recherches pour le dossier spécial de l'intégrale du dernier Livre de la Jungle. Vous aurez quelques jolies surprises de dessins inédits.
Parution prévue pour fin novembre.
Enfin, j'ai aussi mis mon site web à jour. Notamment la section "Peinture" et "Originaux". N'hésitez pas à le visiter.
mardi 1 mai 2012
Le plat qui se mange chaud.
Si la vengeance est le plat qui se mange froid, l'inspiration, dans notre domaine du dessin, est celui qui, pour moi, doit se manger chaud, voire brûlant.
Par inspiration j'entends "ce qui nous inspire, ce qui nous sert de modèle, les influences".
Ma plus grande influence graphique a longtemps été Hermann. J'ai beaucoup aimé et analysé Giraud, Derib, Walthéry, Loisel et bien d'autres depuis.
Avec le temps, je me rends compte que quant on est jeune dessinateur on a tendance à prendre son inspiration dans le mauvais sens. On s'inspire de ce que l'auteur fait : son dessin, sa narration, et le pire: son univers.
Certainement est-ce un parcours naturel, mais l'admiration qu'on a pour un auteur ne doit jamais nous faire oublier qui nous sommes. Je suis un fan inconditionnel du cinéma d'animation de Miyazaki et aussi de son manga "Nausicaä de la Vallée de Vent" qui pour moi est un chef d'œuvre. En somme, c'est la seule BD où je me moque qu'elle soit bien ou mal dessinée. J'adore le point de vue de Miyazaki sur le monde, sur l'aberration de la guerre, sur la magie de la nature; ses personnages sont toujours fascinants, ses méchants ont toujours de la profondeur... Mais c'est son univers à lui. Vouloir faire "du" Miyazaki ce serait malhonnête.
L'inspiration est un plat qui se mange brûlant car il faut se nourrir de ce que l'on aime ardemment et se brûler pour se remettre en question... Mais cette remise en question doit se faire par rapport à qui "nous" sommes nous. C'est un travail sans fin.
J'ai dédié le Cassio 5 à la mémoire d'Alfredo Alcala et de John Buscema pour leur travail dans "Savage Sword of Conan"; notamment pour les épisodes "The Haunters of Castle Crimson" et "The Slithering Shadow" parus en 1977. C'est bien eux qui me donnaient le plus envie de dessiner quand j'avais 10 ans, dans mon lointain Chili.
Même si j'aime plein d'autres auteurs, c'est bien ces deux-là qui restent... envers et contre tout.
Pour ceux que ça intéresse:
La meilleure version est l'originale, fascicule de juillet 1977, le même mois que la sortie de Star Wars au cinéma américain. Cette histoire et la plupart des travaux Buscema-Alcala sont présentes dans les reéditions de Dark Horse "Savage Sword of Conan -Volume 2". Le format est plus petit que dans les fascicules originaux et il y a une légère perte des traits les plus fins... mais c'est bien.
En français, les éditions Lug des 70' respectent la finesse du trait d'Alcala mais sont une honte car les planches des différentes histoires ont été expurgées de scènes de violence, de sang, parfois même de certains personnages poussant certaines scènes à la limite de la stupidité. Les édition Soleil ont gardé le dessin original mais le papier buvard utilisé rend le trait grossier et les hachures fines d'Alcala deviennent des masses noires informes...
Par inspiration j'entends "ce qui nous inspire, ce qui nous sert de modèle, les influences".
Ma plus grande influence graphique a longtemps été Hermann. J'ai beaucoup aimé et analysé Giraud, Derib, Walthéry, Loisel et bien d'autres depuis.
Avec le temps, je me rends compte que quant on est jeune dessinateur on a tendance à prendre son inspiration dans le mauvais sens. On s'inspire de ce que l'auteur fait : son dessin, sa narration, et le pire: son univers.
Certainement est-ce un parcours naturel, mais l'admiration qu'on a pour un auteur ne doit jamais nous faire oublier qui nous sommes. Je suis un fan inconditionnel du cinéma d'animation de Miyazaki et aussi de son manga "Nausicaä de la Vallée de Vent" qui pour moi est un chef d'œuvre. En somme, c'est la seule BD où je me moque qu'elle soit bien ou mal dessinée. J'adore le point de vue de Miyazaki sur le monde, sur l'aberration de la guerre, sur la magie de la nature; ses personnages sont toujours fascinants, ses méchants ont toujours de la profondeur... Mais c'est son univers à lui. Vouloir faire "du" Miyazaki ce serait malhonnête.
L'inspiration est un plat qui se mange brûlant car il faut se nourrir de ce que l'on aime ardemment et se brûler pour se remettre en question... Mais cette remise en question doit se faire par rapport à qui "nous" sommes nous. C'est un travail sans fin.
J'ai dédié le Cassio 5 à la mémoire d'Alfredo Alcala et de John Buscema pour leur travail dans "Savage Sword of Conan"; notamment pour les épisodes "The Haunters of Castle Crimson" et "The Slithering Shadow" parus en 1977. C'est bien eux qui me donnaient le plus envie de dessiner quand j'avais 10 ans, dans mon lointain Chili.
Même si j'aime plein d'autres auteurs, c'est bien ces deux-là qui restent... envers et contre tout.
© Marvel
Planche extraite de l'édition originale "The Slithering Shadow"- Savage Sword of Conan volume 20 juillet 1977.
La meilleure version est l'originale, fascicule de juillet 1977, le même mois que la sortie de Star Wars au cinéma américain. Cette histoire et la plupart des travaux Buscema-Alcala sont présentes dans les reéditions de Dark Horse "Savage Sword of Conan -Volume 2". Le format est plus petit que dans les fascicules originaux et il y a une légère perte des traits les plus fins... mais c'est bien.
En français, les éditions Lug des 70' respectent la finesse du trait d'Alcala mais sont une honte car les planches des différentes histoires ont été expurgées de scènes de violence, de sang, parfois même de certains personnages poussant certaines scènes à la limite de la stupidité. Les édition Soleil ont gardé le dessin original mais le papier buvard utilisé rend le trait grossier et les hachures fines d'Alcala deviennent des masses noires informes...
vendredi 13 avril 2012
Mise à jour du site
Je profite de ce vendredi 13, jour de sortie du Cassio 5, pour faire enfin une grosse mise à jour de mon site web, qui dormait, dormait...
N'hésitez pas à y faire un tour... Il y a un petit avant goût de Cassio 6.
L'adresse henrirecule.com
mardi 20 mars 2012
Intégrale du Dernier Livre... une Jungle de corrections.
Voici une vidéo montrant ce travail sur une case du tome 1. Il s'agit de la planche 17, une bulle supplémentaire est aussi ajoutée. Ce travail est fait dans Manga Studio. J'utilise l'outil tampon pour recopier la couleur et garder le grain original en complétant le dessin.
dimanche 11 mars 2012
Jean Giraud
Ce samedi 10 mars 2012 Jean Giraud, dit Mœbius, nous a quitté.
Orphelins de son talent nous sommes, orphelins nous le resteront. Il y a de ces auteurs uniques qui, quand le flambeau tombe, il reste à terre. Je pense à Osamu Tezuka, à Frank Frazetta, à J.R.R. Tolkien, à Alfred Hitchcock, il y en a d'autres...
Jean Giraud faisait partie de ceux-là, irremplaçables, dont on ne peux qu'essayer d'approcher le talent pour leur rendre hommage, les remercier de tout ce qu'ils ont pu nous apporter.
Nous avons encore son œuvre pour nous consoler.
Je pense aussi, en ce triste week-end, et par ce petit mot, à sa famille proche, ses amis... pour qui, ouvrir un Blueberry ne suffira pas.
Toutes mes condoléances.
Orphelins de son talent nous sommes, orphelins nous le resteront. Il y a de ces auteurs uniques qui, quand le flambeau tombe, il reste à terre. Je pense à Osamu Tezuka, à Frank Frazetta, à J.R.R. Tolkien, à Alfred Hitchcock, il y en a d'autres...
Jean Giraud faisait partie de ceux-là, irremplaçables, dont on ne peux qu'essayer d'approcher le talent pour leur rendre hommage, les remercier de tout ce qu'ils ont pu nous apporter.
Nous avons encore son œuvre pour nous consoler.
Je pense aussi, en ce triste week-end, et par ce petit mot, à sa famille proche, ses amis... pour qui, ouvrir un Blueberry ne suffira pas.
Toutes mes condoléances.
jeudi 8 mars 2012
Que fait la police
Pour faire bref, le crénage est la capacité d'un caractère a s'adapter aux caractères qui l'entourent. Ici, on peut voir la différence dans le mot "AVANT". Dans Photoshop et grâce au crénage, le "v" épouse les côtés des "A" qui l'encadrent. Dans Manga Studio, chaque lettre se place dans un case et ne tient pas compte des autres caractères.
La raison de l'absence de crénage dans ce logiciel est liée au fait qu'il est d'origine japonaise; kanjis, hiraganas et katakanas n'ont pas besoin de crénage puisqu'ils se placent dans des cases.
Ce problème de crénage est pour moi anecdotique vu les autres qualités de Manga Studio, mais c'est bon à savoir.
mercredi 7 mars 2012
Cassio, le Cycle de Rome.
Rendez-vous chez vos libraires pour ce second cycle de Cassio. Le 13 avril prochain pour le tome 5 et le 15 juin pour le tome 6. Cassio poursuit son ascension et arrive enfin à Rome.
mardi 6 mars 2012
Le Dernier Livre de la Jungle
Pour le moment je travaille, ou retravaille pour être plus juste, sur "Le Dernier Livre de la Jungle" en vue de l'intégrale prévue pour la fin de cette année. C'est un gros boulot car je pense "corriger / mettre à jour" les 184 planches de la série. Tant qu'à avoir une intégrale, je préfère que ce soit si possible mieux que l'édition normale. Il y aura des personnages corrigés, des planches recadrées, des cases rajoutées comme celle-ci en bas. Je refais aussi toutes les bulles et lettrages afin d'avoir une homogénéité entre le travail de Johan (De Moor) sur les tomes 1 et 2 et le mien sur les tomes 3 et 4.
Si tout va bien l'album devrait paraître en novembre.
Lors de l'édition originale nous avions laissé quelques textes de côté; par manque de place, pour simplifier ou un oubli simplement... hum, ça arrive. On va rajouter tout cela dans cette édition afin qu'elle soit la plus complète et intéressante possible.
Voici ci-bas un comparatif de la planche 14 pour vous donner une idée. A gauche c'est l'édition actuelle et à droite ce sera l'intégrale.
Pour le tome 1 il y aura douze ou treize pages corrigées de la sorte; il s'agit de pages comme celle ci-bas où Johan et moi n'avions pas encore trouvé la manière idéale de travailler ensemble.
Le tome 2 sera, je pense, peu corrigé côté dessin. Les tomes 3 et 4 seront complètement recadrés pour éviter toute case à bord perdu. Des corrections couleur et décors seront faites aussi.
Cliquez pour agrandir ;-)
lundi 6 février 2012
The Line... travaux pratiques.
Pour mieux appréhender la règle des 180°, je vais vous montrer cela sur une planche de Cassio. Et quoi de mieux qu'une planche où je pensais l'avoir bien appliquée... et où je me suis pourtant bien planté. L'autocritique il n'y a rien de mieux ;-)
Il s'agit de la planche 1 du tome 3 de Cassio.
A l'époque je n'avais pas compris que la "ligne" devait se placer de telle sorte qu'elle joigne les deux éléments importants de la scène. Dans notre exemple il s'agit d'Antinoé et Oasis.
Dans ma planche originale, j'avais placé la ligne au milieu de la pièce, comme montré dans le diagramme ci-dessous. Dans ce cas, la case 2 était le plan neutre qui me permettait de basculer de l'autre côté de la ligne.
Si par contre on place la ligne correctement, la planche ne fonctionne plus car en effet, la case 2 n'est alors plus le plan neutre. Voir diagramme ci-bas.
Il s'agit de la planche 1 du tome 3 de Cassio.
planche originale de l'album
Dans ma planche originale, j'avais placé la ligne au milieu de la pièce, comme montré dans le diagramme ci-dessous. Dans ce cas, la case 2 était le plan neutre qui me permettait de basculer de l'autre côté de la ligne.
Si par contre on place la ligne correctement, la planche ne fonctionne plus car en effet, la case 2 n'est alors plus le plan neutre. Voir diagramme ci-bas.
La solution serait d'inverser les cases 1 et 3 pour respecter la règle. La planche devient alors ceci:
planche corrigée selon la règle des 180°
Et voici le diagramme correspondant, où l'on remarque bien que nous restons alors avec la caméra de manière consistante du même côté. Vous remarquerez aussi que, tout le long de la planche, Oasis est toujours du côté gauche du cadre et Antinoé du côte droit... Consistance, consistance, consistance.
vendredi 3 février 2012
The Line... la règle des 180° - partie 3/3
Voici la troisième et dernière partie extraite de «Framed Ink, Drawing and composition for Visual Storytelling».
Ce qui va suivre est une traduction faite par moi-même du chapitre «The Line» du dit livre. Un grand merci à Marcos Mateu-Mestre, l'auteur, et à Design Studio Press pour leur aimable accord.
La règle: Rester «du même côté de la ligne» qui rejoint et traverse les deux éléments principaux de la scène tandis que l’action se déroule. En faisant cela, nous aurons un très important point de référence; le décor derrière les personnages sera toujours le même, et toutes les actions seront ancrées à cette référence.
Voyons à présent la même règle appliquée à la séquence «The Bikers». Dans cet exemple nous avons un élément additionnel; la transition d’une action à une autre (extérieur vers intérieur) dans la même séquence, de telle sorte que nous jouons avec deux différentes «lignes» de caméra qui sont, nous le verrons, connectées/reliées quand même.
Cliquez sur les images pour les voir en grand.
Partie 1 (Plans 1 à 4) L’axe va ici entre les deux motards et la maison. La camera est du côté droit du point de vue des personnages, ainsi le mur à leur gauche offre un décor consistant pour la séquence. Dans les plans 2 et 4 nous sommes pile SUR la ligne, une position neutre qui offre toujours suffisamment de compréhension des éléments géographiques du décor, et NE TRAVERSE PAS la ligne. (Note: si nous devions traverser, c’est possible avec un seul mouvement de caméra, qui pourrait commencer et se terminer en chacun des côté de la ligne avec un seul mouvement de caméra continu, de telle sorte qu’on peux garder à l’esprit la situation générale). N.d.T. En BD cette technique consisterait à une transition en trois cases (A-B-C). A étant le plan d’un côté de la ligne, B étant le plan neutre (sur la ligne) et C étant le plan de l’autre côté de la ligne.
Partie 2 Nous sommes dans le grenier à présent (pl 5 à 7). Pour le premier plan dans ce nouveau décor, plan 5, la caméra est évidemment toujours du même côté que les plans 1 à 4, dans une zone qui sera notre «zone de transition» juste entre la ligne de notre partie 1 de la séquence et la nouvelle ligne que nous aurons comme résultat de la connéction des deux nouveaux élément d’importance de cette deuxième partie de la scène, «l’escroc en costume à carreaux» et les «deux voyous au fond de la pièce».
Extrait de "Framed Ink", © Marcos Mateu-Mestre / Design Studio Press
Traduction: Henri Reculé with permission
Art: © Marcos Mateu-Mestre
Il va sans dire que d'autres points tout aussi intéressants sont développés dans cet excellent livre: «Framed Ink, Drawing and composition for Visual Storytelling».
Marcos Mateu-Mestre travaille chez DreamWorks Animation avec plus de vingt ans d’expérience. A son actif, notamment «Balto», «Prince d’Egypte», «Megamind» et plus récemment «Le Chat Potté».
Je ne saurais trop vous conseiller de visiter les sites suivants.
jeudi 2 février 2012
The Line... la régle des 180° Partie 2/3
Voici la deuxième partie extraite de «Framed Ink, Drawing and composition for Visual Storytelling».
Ce qui va suivre est une traduction faite par moi-même du chapitre «The Line» du dit livre. Un grand merci à Marcos Mateu-Mestre, l'auteur, et à Design Studio Press pour leur aimable accord.
La règle: Rester «du même côté de la ligne» qui rejoint et traverse les deux éléments principaux de la scène tandis que l’action se déroule. En faisant cela, nous aurons un très important point de référence; le décor derrière les personnages sera toujours le même, et toutes les actions seront ancrées à cette référence.
«Rester du même côté de la ligne» appliqué à la séquence «The cowboys» .
Les cadres 1 à 7 sont représentés et numérotés dans ces diagrammes. En eux nous pouvons voir comment nous établissons «The Line» entre les deux élements dans la scène, qui sont le cowboy au fusil à l’avant-plan et les trois cavaliers au loin.
Une fois que cet élément de base a été défini, nous pouvons clairement voir comment la caméra a été placée en tenant compte du principe «Rester du même côté de la ligne» expliqué dans le précédant post. Observez à présent comment, en définitive, nous pouvons toujours placer le tireur de manière consistante en faveur du côté gauche du cadre tandis que les cavaliers et les montagnes tendent à favoriser (même de peu) le côte droit du cadre.
Extrait de "Framed Ink", © Marcos Mateu-Mestre / Design Studio Press
Traduction: Henri Reculé with permission
Art: © Marcos Mateu-Mestre
Marcos Mateu-Mestre travaille chez DreamWorks Animation avec plus de vingt ans d’expérience. A son actif, notamment «Balto», «Prince d’Egypte», «Megamind» et plus récemment «Le Chat Potté».
Je ne saurais trop vous conseiller de visiter les sites suivants.
mercredi 1 février 2012
The Line... la règle des 180° - partie 1/3
La règle des 180 degrés... Sous ce nom étrange se cache la règle de narration visuelle la plus importante qu’il faut respecter pour ne pas perdre son lecteur (ou spectateur) en cours de route. C’est applicable à la BD mais aussi au cinéma. Si vous prenez un cercle et le coupez par le milieu en parallèle à l'horizon, vous avez deux parties égales de 180°. Une des parties est alors votre scène pour "filmer" l'action.
Pour des raisons évidentes de mouvement et de dynamique de plans, cette règle passe souvent inaperçue à celui qui fait de la BD en s’inspirant du cinéma. Ça donne alors, de mon point de vue, des albums avec des riches cadrages soi-disants dynamiques mais avec une narration chaotique.
A ma connaissance, cette règle n’est pas enseignée dans les écoles de dessin par chez nous. Je n’en ai entendu parler que dans mes lectures de livres en anglais traitant sur la narration cinéma ou BD.
Notamment expliquée par Klaus Janson dans son excellent livre «The DC comics guide to Pencilling Comics»; chapitre 12: Movement.
Et vous verrez, cette règle qui pourrait vous sembler figée n'empêche en rien d'avoir des résultats très dynamiques.
C’est dans «Framed Ink, Drawing and composition for Visual Storytelling», livre plus récent et tout aussi indispensable, que j’ai trouvé la manière idéale de vous l’expliquer.
Ce qui va suivre est une traduction faite par moi-même du chapitre «The Line» du dit livre. Un grand merci à Marcos Mateu-Mestre, l'auteur, et à Design Studio Press pour leur aimable accord.
Rester du même coté de la ligne.
L’idée ici est de garder les choses claires d’un point de vue géographique. Le lecteur est là pour suivre l’histoire et la dramatique émotionnelle qu’on lui propose par la narration.
Le lecteur ne doit en aucune manière se prendre les pieds dans cette narration, genre : où est ceci ou cela dans le plan.
Prenons un exemple: Imaginez que vous regardez un match de foot à la télé. Vous connaissez bien les deux équipes, leurs maillots, le côté qu’ils défendent et celui où ils doivent marquer. Toutes ces informations de base seraient ruinées si le réalisateur décidait de filmer le match d’un côté et de l’autre du terrain de manière simultanée. Nous ne serions alors plus capable de savoir qui est qui, et qui va où, et qui fait quoi. Si nous devions faire preuve d’autant d’attention pour suivre le match... ce serait alors le mal de tête garanti à la mi-temps.
Sauf si pour des raisons narratives nous voulons égarer le lecteur (par exemple, dans cas où nous voulons de manière subjective nous placer dans la peau d’un personnage qui aurait été enlevé et amené dans un lieu inconnu de lui), nous devons absolument être sûrs que la géographie du lieu où nous sommes et le placement des personnages sont suffisamment clairs de tel sorte que toute action entreprise par les personnage dans ce lieu ou à partir de ce lieu est facilement compréhensible par le lecteur.
Pour cette raison, nous allons suivre une très simple règle: Rester «du même côté de la ligne» qui rejoint et traverse les deux éléments principaux de la scène tandis que l’action se déroule. En faisant cela, nous aurons un très important point de référence; le décor derrière les personnages sera toujours le même, et toutes les actions seront ancrées à cette référence.
Extrait de "Framed Ink", © Marcos Mateu-Mestre / Design Studio Press
Traduction: Henri Reculé with permission
Art: © Marcos Mateu-Mestre
A bientôt pour voir cette règle mise en pratique dans deux exemples, "The Cowboys" et "The Bikers".
Marcos Mateu-Mestre travaille chez DreamWorks Animation avec plus de vingt ans d’expérience. A son actif, notamment «Balto», «Prince d’Egypte», «Megamind» et plus récemment «Le Chat Potté».
Marcos Mateu-Mestre travaille chez DreamWorks Animation avec plus de vingt ans d’expérience. A son actif, notamment «Balto», «Prince d’Egypte», «Megamind» et plus récemment «Le Chat Potté».
Je ne saurais trop vous conseiller de visiter les sites suivants..
mardi 31 janvier 2012
Cassio... qui fait quoi?
Je n'apprendrais rien à personne en disant que Stephen Desberg fait le scénario et moi les dessins.
Habituellement, je reçois le scénario de l'album complet, cela s'entend: 46 pages découpées en autant de cases que nécessaire par page. Cela comprend la description des scènes, actions et les dialogues.
Je lis le scénario une fois, afin de... ben, de savoir ce que ça raconte, déjà... Ensuite je le relis une ou deux fois en plus afin de relever les possibles défauts, incohérences ou autres points qui me sembleraient ne pas être assez clairs.
Suite à cette lecture et à une bonne discussion, des corrections sont apportées au scénario, si cela s'avère nécessaire.
Je commence alors les découpages, peu détaillés, sur plusieurs planches afin de garder une dynamique de narration.
C'est une partie du travail qui peut être assez fatigante car il est nécessaire de travailler vite dans une sorte de frénésie créative en pensant uniquement à la narration et non au dessin.
La narration étant ici: un ensemble de cases qui, les unes à côté des autres, racontent une histoire cohérente et dynamique.
A ce stade, faire appel aux cadrages cinéma est bienvenu mais il faut SURTOUT éviter d'utiliser la narration cinéma: j'entends par-là: agencement de plans dits dynamiques propres au cinéma et qui compliquent la lecture BD, si mal employés. Je ne dis pas qu'il ne faut pas le faire mais qu'il faut le faire en sachant ce qu'on fait et en respectant certaines règles. Je pourrais en parler plus longuement dans un autre article.
Quand je suis satisfait de la narration, j'affine et rajoute les détails et autres subtilités. A ce stade, j'ai une version de la page découpée en cases avec bulles et que je peux envoyer au scénariste (en PDF) pour avoir son avis.
Selon son avis, je corrige ce qui doit l'être et ensuite je passe à l'encrage.
La planche terminée, je l'exporte (souvent c'est un ensemble de planches) en PDF, basse résolution (taille 20% et sortie à 300 dpi). Ce pdf sert de dernière vérification auprès du scénariste et va aussi chez la correctrice texte pour repérer d'éventuelles fautes de frappe, belgicismes... ben oui...
Selon les avis, je corrige ce qui doit encore l'être côté dessin et je fais les éventuelles corrections texte.
Cela fait, j'exporte alors le fichier haute définition de la planche: niveaux de gris tiff 1200 dpi. Ce fichier est ensuite transformé de niveau de gris à bitmap et enregistré en tiff 1200 dpi avec compression LZW. Le fichier passe alors de 150 Mo à plus ou moins 2 Mo.
J'envoi alors ma planche à la Production qui se charge de la fournir au coloriste.
lundi 30 janvier 2012
Chez l'éditeur... qui fait quoi?
Je lis souvent des livres techniques, didactiques devrais-je dire, en anglais sur comment réaliser une BD (comics en l'occurrence). On y explique les techniques d'encrage, de crayonné, de lettrage... même comment cela fonctionne auprès des éditeurs. Et chez nous? comment ça marche finalement? Et qui fait quoi?
Voici donc une brève pour ceux qui ne savent pas comment ça marche.
Dans la plupart des maisons d'édition de bande dessinée (Belgique France, Suisse...) il y a un directeur éditorial, parfois plusieurs comme chez Dargaud ou Glénat. Le directeur éditorial est celui qui va signer un projet avec les auteurs. C'est lui qu'il faut convaincre qu'on lui propose la plus chouette histoire jamais contée.
Ensuite il y a des assistant(e)s éditoriaux qui accompagnent les différents projets. Ils réceptionnent les pages, font en sorte que les plannings soient respectés, le suivi avec le coloriste, la vérification des textes auprès d'une correctrice, la lecture des planches avant impression... la liste est longue. Une bonne assistante éditoriale est indispensable pour se sentir bien chez un éditeur. Je m'empresse de dire que je n'ai pas à me plaindre jusqu'à présent.
Un maillon important de la chaîne est enfin la Production. C'est chez eux qu'arrivent, après validation par l'éditorial, nos planches. Dans le cadre de planches papier, elles sont envoyées chez un photograveur pour faire les fichiers propres qui serviront à l'impression; il s'agit de fichiers noir et blanc (bitmap 1200 dpi au format tiff).
A la Production on vérifie et nettoie, si nécessaire, ces fichiers avant de les envoyer au coloriste. Tel quels, pour la mise en couleur numérique et sous forme de bleu de coloriage pour la mise en couleur traditionnelle (c'est de plus en plus rare). La Production récupère ensuite de la part du coloriste les fichiers numériques (CMJN 300 dpi tiff) dans le cas d'une mise en couleur à l'ordinateur, ou le bleu colorié dans le cas d'une mise en couleur traditionnelle. Ce dernier sera envoyé au photograveur pour produire un fichier CMJN 300 dpi tiff le plus proche de l'original (même procédure pour une planche en couleur directe). Des épreuves des planches, nommées aussi cromalins sont réalisées pour vérifier le résultat imprimé. Ces épreuves servent de base lors de l'impression de l'album.
La Production se charge aussi du montage de l'album: trait, couleurs, textes, mais aussi couverture, notes de copyrigth, etc, dans un logiciel de type InDesign afin de produire un PDF de qualité qui sera envoyé à l'imprimeur.
Enfin, cerise sur le gâteau, lors de l'impression de l'album, la Production envoie une responsable chez l'imprimeur pour gérer au mieux l'impression de l'album aux côtés des auteurs.
Ceci est le schéma classique que je peux observer au jour d'aujourd'hui chez Dargaud Bénélux et Lombard.
Bientôt: Cassio... qui fait quoi?
Voici donc une brève pour ceux qui ne savent pas comment ça marche.
Dans la plupart des maisons d'édition de bande dessinée (Belgique France, Suisse...) il y a un directeur éditorial, parfois plusieurs comme chez Dargaud ou Glénat. Le directeur éditorial est celui qui va signer un projet avec les auteurs. C'est lui qu'il faut convaincre qu'on lui propose la plus chouette histoire jamais contée.
Ensuite il y a des assistant(e)s éditoriaux qui accompagnent les différents projets. Ils réceptionnent les pages, font en sorte que les plannings soient respectés, le suivi avec le coloriste, la vérification des textes auprès d'une correctrice, la lecture des planches avant impression... la liste est longue. Une bonne assistante éditoriale est indispensable pour se sentir bien chez un éditeur. Je m'empresse de dire que je n'ai pas à me plaindre jusqu'à présent.
Un maillon important de la chaîne est enfin la Production. C'est chez eux qu'arrivent, après validation par l'éditorial, nos planches. Dans le cadre de planches papier, elles sont envoyées chez un photograveur pour faire les fichiers propres qui serviront à l'impression; il s'agit de fichiers noir et blanc (bitmap 1200 dpi au format tiff).
A la Production on vérifie et nettoie, si nécessaire, ces fichiers avant de les envoyer au coloriste. Tel quels, pour la mise en couleur numérique et sous forme de bleu de coloriage pour la mise en couleur traditionnelle (c'est de plus en plus rare). La Production récupère ensuite de la part du coloriste les fichiers numériques (CMJN 300 dpi tiff) dans le cas d'une mise en couleur à l'ordinateur, ou le bleu colorié dans le cas d'une mise en couleur traditionnelle. Ce dernier sera envoyé au photograveur pour produire un fichier CMJN 300 dpi tiff le plus proche de l'original (même procédure pour une planche en couleur directe). Des épreuves des planches, nommées aussi cromalins sont réalisées pour vérifier le résultat imprimé. Ces épreuves servent de base lors de l'impression de l'album.
La Production se charge aussi du montage de l'album: trait, couleurs, textes, mais aussi couverture, notes de copyrigth, etc, dans un logiciel de type InDesign afin de produire un PDF de qualité qui sera envoyé à l'imprimeur.
Enfin, cerise sur le gâteau, lors de l'impression de l'album, la Production envoie une responsable chez l'imprimeur pour gérer au mieux l'impression de l'album aux côtés des auteurs.
Ceci est le schéma classique que je peux observer au jour d'aujourd'hui chez Dargaud Bénélux et Lombard.
Bientôt: Cassio... qui fait quoi?
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